Desde aquel ya algo lejano 2017 en que Richard Gere revolucionó la ciudad por su asistencia a un festival cinematográfico de nueva creación enfocado al arte, literatura e historia, dirigido a los gustos populares, que el BCN Film Fest ha ido creciendo sin pausa pero sin prisa, jugando bien sus cartas y potenciando sus posibilidades. En la primera edición libre de restricciones tras el bache de la pandemia, los nueve días de festival han logrado atraer a más de 18.000 personas a los cines Verdi barceloneses y otras sedes repartidas por la ciudad, así como colgar el cartel de “entradas agotadas” en más de una sesión. Esto resulta fácil teniendo un menú tan suculento con los alicientes de las presencias de la talla de Susan Sarandon o Wim Wenders, que fueron los que más furor despertaron entre la cinefilia de la ciudad condal. La actriz estadounidense acudió para conversar con los espectadores en un coloquio tras el pase de la mítica Thelma & Louise (Ridley Scott, 1991), uno de los momentos cúlmen del año que había generado una expectación altísima desde que se agotaron en media hora las entradas para la sesión. Por su parte, el cineasta alemán, ganador de la Palma de Oro por París, Texas (1984), fue a quien se le dedicó la retrospectiva de este año, proyectándose más de una decena de títulos, varios de los cuales fueron presentados por él mismo. Asimismo, Wenders ofreció una masterclass multitudinaria que dejó a decenas de personas fuera por el límite de aforo.

El disparo de salida lo dio Mi crimen, el regreso a la comedia pura de François Ozon desde Potiche, mujeres al poder de 2010. El francés recupera el espíritu negro de aquellas 8 mujeres (2002) en una trama de asesinato ambientada en el mundo del teatro y el cine en los años 30, suponiendo una suerte de versión gala, despojada de canciones, de Chicago (Rob Marshall, 2002). Ozon apuesta por un vodevil alocado e imprevisible, aunque un tanto forzado en su ejecución, deviniendo una obra menor del cineasta que encuentra un buen apoyo en el reparto liderado por las efervescentes Nadia Tereszkiewicz, Rebecca Marder y una descacharrante Isabelle Huppert que roba todas las escenas sin temor a reírse de su condición de gran dama de la interpretación, casi como si se tratase de un personaje de Paquita Salas del periodo de entreguerras.

El día de la victoria

La corona de la mejor película fue para la belga Rebel, una aproximación a la radicalización islámica en el seno de una familia del barrio bruselense de Molenbeek. Elaborada desde unos códigos más propios del cine hollywoodiense que europeo –no en vano, sus directores Adil El Arbi y Bilall Fallah son los artífices detrás del actioner palomitero Bad boys for life (2020)-, Rebel da una nota de concienciación al espectador sin sutilezas de ningún tipo, erigiéndose como un film narrado con pulso, pero evidente y un tanto alargado para una historia potente, aunque sustentada en bastantes lugares comunes. La dupla de competentes directores quiere aportar un sello distintivo con la introducción de breves escenas musicales con el mismo espíritu que Riz Ahmed en su cortometraje The long goodbye (2020), pero no calzan con armonía dentro del conjunto.

Stephen Frears vuelve a cumplir con su compromiso con el cine de vocación popular sin apartar unos estándares de calidad en sus guiones con la singular historia del descubrimiento de los restos del rey Ricardo III de Inglaterra a manos de una historiadora amateur movida más por sus sensaciones que por la lógica científica más estricta en The lost king. Otra extraordinaria hazaña nacida desde la más mundana cotidianeidad inglesa que Frears sabe contar tan eficazmente sin ponerse él como cineasta por delante, partiendo de un libreto de Steve Coogan y Jeff Pope, con quienes ya colaboró en la notable Philomena (2013). The lost king tiene claro lo que es y, pese a que se le podría exigir más ambición en la dimensión de su premisa, entrega lo que promete con la clase habitual británica para tipo clase de cine que tiene al espectador y su disfrute en el centro, realzado por la fantástica labor de Sally Hawkins, una de esas actrices capaces de dotar de muchas capas de humanidad a personajes que podrían bordear el ridículo.

La impaciencia del corazón, clásica adaptación de Bille August de la novela de Stefan Zweig, fue la otra gran triunfadora de la edición, amasando el premio a la mejor dirección, música y película por sus valores históricos, mientras que La uruguaya de Ana García Blaya fue la mejor película para la crítica, además de Fiorella Bottaioli llevarse el galardón a mejor actriz. El premio homólogo masculino, mejor actor, fue a parar a una de las estrellas visitantes de este año, Omar Sy por Padre y soldado (Mathieu Valepied, 2022), donde encarna a un senegalés que es enviado a combatir en nombre de Francia a la I Guerra Mundial. Completó el palmarés el mejor cortometraje, Muerte en Torrevieja, de la estudiante de l’ESCAC Adriana Arratia.

Italia en horas bajas

El país de Fellini presentó dos películas con elencos plagados de primeras figuras de su cinematografía que decepcionaron. Por un lado, El colibrí, la adaptación de la novela de Sandro Veronesi que ha llevado a cabo Francesca Archibugi, la cual adolece de una narración fragmentada para explicar la vida de su protagonista a lo largo de las décadas. Su estructura cronológicamente desordenada, constituida a base de saltos en el tiempo, dificulta la situación de sus personajes, consecuentemente impidiendo que el espectador cree lazos emocionales con ellos. Esto la convierte en un tedio de dos horas apático que deja para su desenlace un festín de maquillajes de envejecimiento terroríficos.

Por su parte, Paolo Genovese, responsable de la primera versión de Perfectos desconocidos (2016) que posteriormente se replicó en multitud de países, traslada a la pantalla su propia novela El primer día de mi vida. Una tragicomedia que lidia con la salud mental con ecos del Frank Capra de ¡Qué bello es vivir! (1946) a través de la historia de un hombre misterioso (Toni Servillo) que se presenta a cuatro personas en el pozo de sus vidas y tienen pensamientos suicidas para proponerles pasar una semana juntos con la finalidad de recuperar las ganas de vivir. Una premisa sólida que, sin embargo, se desvía rápidamente hacia los derroteros de la autoayuda más barata y el tópico, resultando intranscendente a pesar de su enorme potencial y su infraestructura actoral.

Alcohol, Kokoschka y Panahi

La sección oficial se engrosó con A bit of light, basada en una novela de teatro de Rebecca Callard, que aborda las consecuencias del alcoholismo en la figura de Ella, una mujer de cuarenta años forzada a vivir de nuevo con su padre tras perder la custodia de sus hijos. Como en la reciente To Leslie (Michael Morris), la búsqueda de la redención y la reconciliación familiar es el motor de su esqueleto narrativo, que recupera también estrategias de otros melodramas como Los secretos del corazón (John Cameron Mitchell, 2010), pero la cinta de Stephen Moyer se acomoda en un convencionalismo propio de un telefilm refinado gracias a las presencias de Ana Paquin y, sobre todo, Ray Winstone.

Tormentosa relación también fue la de Alma & Oskar, de Dieter Berner, crónica exprés del romance entre Alma Maher, gran dama de la sociedad vienesa y viuda de Gustav Mahler, con la nueva sensación de la pintura del momento, Oskar Kokoschka. Berner filma una película académica acompañada con unas buenas dosis de un erotismo que, no obstante, vira hacia una frialdad para plasmar lo malsano de su polémico noviazgo. Una obra funcional a la que se echa en falta profundidad psicológica y una puesta en escena más atrevida como la de Kirill Serebrennikov en La mujer de Tchaikovsky.

Quien sí que entregó una cinta profundamente autoral fue Jafar Panahi con Los osos no existen, que se presentó en el festival fuera de competición tras su premio especial del jurado en el Festival de Venecia. El iraní no abandona las formas del falso documental para volver a jugar con el espectador y ponerlo en jaque ante la duda de qué es realidad y qué es ficción en el seno de un rodaje de pequeña escala, donde el mismo Panahi es, otra vez, el personaje principal. Desafiante y sofisticada en su (re)construcción de la narración, Los osos no existen es un manifiesto político del cine como poder combativo en una Irán represora, con la que el director demuestra que, con cámara en mano y una pantalla, no será tan fácil silenciarlo.

El escaparate del cine español

El festival también reservó varios huecos para el cine español, entre los cuales estaba Jaime Chávarri, que presentaba su primera película en 17 años tras Camarón (2005): La manzana de oro. Nuevamente adaptando una obra literaria, esta vez a Fernando Aramburu y su novela Ávidas pretensiones, Chávarri realiza una sátira del mundo literario y poético en este fin de semana de retiro en una casa rural de un grupo de poetas para competir en un concurso. Desplegando una amplia diversidad de personajes, la coralidad acaba resintiendo el conjunto y dándole algunos problemas de tono, pero también más de una escena inspirada, especialmente aquellas donde interviene un perspicaz Sergi López.

Elvira Lindo se asocia con Daniela Féjerman para debutar en la dirección con una historia propia en Alguien que cuide de mí. Historia de rencillas entre madres e hijas actrices cumplidoras Emma Suárez, Aura Garrido y Magüi Mira-, muy influenciada por Almodóvar, que no termina de dar con la tecla entre el melodrama y la comedia en buena parte por un montaje algo caótico y poco fluido. A pesar de ello, logra tener sus buenos momentos, la mayoría de los cuales vienen de la mano de los resultones secundarios que interpretan convincentemente Pedro Mari Sánchez y Víctor Clavijo.